A Origem (Inception – 2010) é um thriller sobre a possibilidade de se extrair (e também implantar) uma informação no subconsciente das pessoas enquanto elas estão dormindo e sonhando.

Don Cobb (Leonardo DiCaprio) lidera uma equipe especializada em entrar nos sonhos das pessoas e é contratado por Saito (Ken Watanabe) para fazer com que o jovem empresário Robert Fischer (Cillian Murphy) venda uma parte da herança de seu pai. No entanto, o próprio Cobb pode comprometer toda a operação porque não consegue se desvencilhar de sua finada esposa Mal (Marion Cotillard, novamente uma co-adjuvante de luxo).

Com uma trama e uma subtrama inovadoramente arquitetadas (e um elenco afinado, o que ajuda deveras), Nolan faz com que o espectador mergulhe no mundo dos sonhos do cinema, durante duas horas e meia, para então despertar e solucionar o mistério por si mesmo, quando as luzes se acendem.

Embora a roteiro de A Origem seja original (e escrito pelo próprio diretor), circulam boatos na internet de que Nolan pode ter se inspirado numa história do Tio Patinhas, chamada The dream of a Lifetime, escrita e desenhada por Don Rosa, em 2002, mas publicada nos EUA em 2004, na qual o limbo é um deserto sem fim, onde cada grão de areia é realmente uma moeda de ouro microscópica. Ambas as tramas tem personagens que usam uma máquina para entrar nos sonhos de alguém com o objetivo de roubar um segredo.

Se você ficou curioso e quiser conferir a HQ do Tio Patinhas, clique aqui.

Mas uma coisa é certa, o filme A Origem conseguiu unir cérebro e ação de forma que poucas vezes se viu em Hollywood. E não se pode escrever muito sobre ele porque periga sair algum spoiler mortal.

Então, se você ainda não assistiu A Origem, corra para o cinema mais próximo. E não se preocupe se o filme continuar horas em sua mente. Apenas deixe o pião girar.

Para se chegar à síntese de algo é necessário um trabalho de concisão e fragmentação extremo.

Como exercício pessoal, comecei a criar posters minimalistas de filmes, nos quais iconizo o elemento central da trama ou uma sequência marcante.

Posto abaixo alguns deles.

]]> http://www.ghq.com.br/posters-minimalistas/feed/ 1 http://www.ghq.com.br/vai-encarar/ http://www.ghq.com.br/vai-encarar/#comments Sun, 20 Jun 2010 18:09:41 +0000 Milena Azevedo http://www.ghq.com.br/?p=2851 “Qual é? Sejamos honestos. Em algum momento de nossas vidas, todos já desejamos ser um super-heroi.” É assim que o adolescente Dave Lizewski (Aaron Johnson) nos aborda no início de Kick Ass – quebrando tudo (Kick Ass – 2010), adaptação da HQ homônima de Mark Millar para o cinema.

Kick Ass é uma sátira às histórias em quadrinhos e à cultura pop em geral, na qual se interligam duas tramas: a do adolescente nerd que se torna um justiceiro mascarado e acredita que assim resolverá o problema da indiferença das pessoas frente à crescente violência urbana, e a dos Macready, pai e filha (Nicolas Cage e Chloe Moretz, respectivamente), que atuam como vingadores para por um fim aos dias de glória do bandidão Frank D´amico (Mark Strong).

A ingenuidade e o idealismo de Dave acabam chamando a atenção da sociedade e o justiceiro atrapalhado Kick Ass se torna o novo astro adolescente da temporada, causando inveja no filho de D´Amico, Chris (Christopher Mintz-Plasse, o McLovin, de Superbad – é hoje), o qual contra-ataca com a sua fantasia de Red Mist.

Enquanto Kick Ass tem como arma dois bastões similares ao usado pelo Demolidor, Damon Macready treina sua filha, Mindy, para ser uma máquina de guerra mirim e juntos eles formam a dupla Bid Daddy e Hit Girl, roubando o dinheiro de D´Amico para comprar um arsenal de armas de fogo, numa ironia bem sacada.

O filme é um prato cheio para os nerds, que vibrarão ao enumerar todas as referências com as quais o diretor Matthew Vaughn tornou ainda mais peculiar a trama elaborada por Millar.

As cenas de ação e a trilha sonora tornam Kick Ass um filme absurdamente imperdível; um Tarantino em versão teen.

A Disney saiu na frente com a adaptação de um jogo antigão, criado para PC, em 1989, e que virou uma franquia lucrativa, estendida para as plataformas Playstation, GameCube e Xbox. Trata-se de Príncipe da Pérsia.

O filme Príncipe da Pérsia: as areias do tempo (Prince of Persia: the sands of time – 2010) é uma aventura estilo “capa e espada”, na qual o heroi é um sujeito bacana, de bom coração, mas que foi vítima de uma armadilha e precisa provar a sua inocência para, de quebra, salvar toda a Pérsia.

O príncipe em questão é Dastan (Jake Gyllenhaal), um esperto órfão que, ainda menino, cativa o coração do Rei Sharaman (Ronald Pickup) e é levado ao palácio e criado como se fosse da família, convivendo com o seu tio, Nizam (Ben Kingsley), e com seus irmãos Tus (Richard Coyle) e Garsiv (Toby Kebbell).

Já crescido, Dastan comanda a invasão a uma cidade, onde supostamente ocorria contrabando de armas de bronze. Com os persas sagrando-se vencedores da batalha, Dastan toma uma bela adaga como espólio. Essa adaga se revelará mágica porque encerra a mítica areia do tempo e é protegida por servos do templo e pela Princesa Tamina (Gemma Arterton). Porém, há algumas pessoas de olho nela, que farão os persas acreditarem ser Dastan o assassino do Rei Sharaman. Para achar o verdadeiro culpado, Dastan foge com Tamina (logo que seus olhares se cruzam, o espectador já sabe que farão um par romântico que vive às turras), envolvendo-se em uma série de perseguições, lutas e  acrobacias com cordas que mais parecem o chicote do Indiana Jones.

O diretor Mike Newell, embora acostumado a dramas e comédias dramáticas (O amor nos tempos do cólera, Quatro casamentos e um funeral), não fez feio com essa aventura à lá Mil e Uma Noites.

Essa foi a interrogação que deve ter vindo à mente de uma porção de cinéfilos, incluindo à dessa que lhes escreve. Mas, ao término da exibição de Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland – 2010), não foi apenas o colorido hi tech que me impressionou, e sim a genialidade de Burton em retrabalhar as metáforas de Carroll.

Aos olhos de Burton, uma Alice (Mia Wasikowska) já crescida e totalmente perdida em um ambiente aristocrata e conservador, deveras prático e pouco onírico, regressa ao mundo imaginário de sua infância para ser a heroína mítica tão esperada por seus habitantes. No País das Maravilhas, Alice terá a chance de enfrentar seus medos, ajudando a doce Rainha Branca (Anne Hathaway) e seus aliados, entre eles o Chapeleiro Louco (Johnny Deep), a derrotar a cruel Rainha Vermelha (Helena Bonhan Carter) e Stayne, o Valete de Copas (Crispin Glover). Ao se permitir pensar e realizar coisas tidas como impossíveis, aprendendo a trabalhar em equipe, Alice amadurece e acaba se tornando, ela própria, a rainha de sua vida.

Apesar de ter feito uma versão menos delirante do que a de Terry Gilliam (Tideland – 2005), Burton estudou a fundo a simbologia por trás da Alice de Carroll, tanto que ousou ser o primeiro diretor a alterar a idade da personagem, a qual deixou de ser uma menina de sete anos e meio para ser uma moça de dezenove anos (uma menção aos sistemas matemáticos de base e notação posicional, presentes no segundo capítulo de Alice no País das Maravilhas). E tal qual a animação de 1951, igualmente produzida pela Disney, incorporou personagens dos dois livros (País das Maravilhas e País do Espelho), mesclando e adaptando características e falas entre eles.

Ao contrário de Peter Pan, Alice se utiliza do sonho para se auto-conhecer e crescer, mostrando que a improbabilidade pode superar a lógica, e os “loucos” são as únicas pessoas capazes de tal proeza. Da mesma forma que Alice, Burton era um peixe fora d´água que encontrou o oceano e mergulhou nele.

Essa cifra de saltar os olhos não foi conquistada à toa, haja vista a ascensão que a DreamWorks vem alcançando com suas animações. O estúdio é responsável pelos ótimos A fuga das galinhas, Shrek e Kung Fu Panda, e tem pretensão de ficar em pé de igualdade com a Pixar.

Chris Sanders e Dean DeBlois (a dupla criadora de Lilo & Stich) juntaram-se à escritora Cressida Cowell e ao roteirista William Davies para co-escreverem o roteiro da adaptação do primeiro livro da série da referida autora, assumindo também a direção da animação a quatro mãos.

Como treinar o seu dragão tem como heroi o pré-adolescente Soluço, um rapaz que se esforça para seguir a tradição de seu pai como grande matador de dragões, praticamente uma peste que assola a Ilha de Berk, lar dos vikings. Porém, as tentativas de valentia de Soluço apenas geram gargalhadas entre os vikings, afugentando Astrid, menina por quem ele está apaixonado. Ao encontrar um raro e perigoso dragão que foi abatido e não consegue voar, Soluço começa a treiná-lo, estabelecendo um forte vínculo de amizade com a fera com cara de gato, e descobre que os dragões só atacam para se defender. A partir daí, Soluço se volta contra o seu povo para provar que homens e dragões devem se unir em prol de um objetivo maior: combater o inimigo que oprime a ambos.

Soluço precisa quebrar a tradição para se fazer ouvir e ganhar o seu espaço (e respeito) na sociedade e perante  o seu pai.  Ele é  considerado um pária porque não demonstra ter as habilidades requeridas a um guerreiro,  e em especial porque tem compaixão pelo inimigo.

Como diz o ditado, “se não pode com seu inimigo, junte-se a ele”. Assim, Soluço acolhe um dragão extremamente  perigoso, mas “impotente” (ou seja, que  havia se tornado um pária para os seus),  formando uma dupla de “losers” que, ao aceitarem suas fraquezas, tornam-se fortes.  Cada um tem habilidades que, somadas, geram um todo sólido. E essa amálgama fará a diferença, pois trará a confiança perdida de volta a eles.

Com sequências de voos arrebatadoras e cenas dramáticas “quebradas” com tiradas cômicas, Como treinar o seu dragão segue a cartilha de filmes como Coração de dragão (1996), Pete e o dragão (1977) e Corcel Negro (1979), mostrando que da relação de amizade entre animal e ser humano, terminamos descobrindo um pouco mais sobre nós mesmos.

Popeye já havia debutado em 3D  no curta animado Popeye’s Voyage: The Quest for Pappy,  produzido pela FOX, em 2004.  E no início dos anos 1980, ganhou um versão live action, sendo encarnado por Robbin Williams.

A King Features Syndicate escalou Avi Arad para produzir a nova aventura do Popeye em CGI, que será desenvolvida pela Sony Pictures.

A Sony Pictures, por sinal, está apostando mesmo em dar vida a desenhos animados. Popeye é o segundo projeto, iniciado com os Smurfs.

E a escolha do eterno namorado da Olívia Palito não foi à toa. Popeye, apesar de ter sido criado em 1929, ainda hoje é lembrado e consta como o personagem número um de lincenciamento para a indústria de alimentos.

TR “Rocky” Shepard III, presidente da King Features Syndicate, afirma que: “embora cada geração tenha descoberto o Popeye em diferentes encarnações, os fãs continuam a adorá-lo ao longo dos anos,  relembrando as características singulares que fizeram do Popeye um personagem amado em todo o mundo”.

Os Irmãos Hughes (Do Inferno) mostraram a sua versão da Terra pós-apocalíptica com o recente O Livro de Eli (The Book of Eli), trazendo Denzel Washington como um ranger solitário, cuja missão é chegar à Costa Oeste Norte-americana, escoltando o último exemplar da Bíblia até uma espécie embrionária da Biblioteca de Alexandria, situada em Alcatraz.

A caminhada do heroi é repleta de obstáculos, sendo Carnegie (Gary Oldman) o pior deles. Carnegie é o bandidão do pedaço e manda seus homens pilharem transeuntes em busca de todos os livros que puderem encontrar, visando achar justo o livro que Eli guarda a sete chaves.

Ao chegar à cidade na qual Carnegie é a autoridade porque controla uma fonte de água pura, Eli conhece Solara (Mila Kunis, a golpista da comédia Extract), jovem escrava que tem a mãe como amante do mau caráter. Os dois seguem juntos, tipo mestre e discípula, unindo forças para derrotar Carnegie e levar a palavra a todos que a esqueceram.

O Livro de Eli trabalha, de forma maniqueísta, o princípio de que saber é poder, onde Eli tem o saber e pretende disseminá-lo, estendendo o poder da palavra a todos, enquanto Carnegie quer ter acesso exclusivo à palavra, fazendo de todos os homens, seus escravos.

Com fotografia em tons de sépia, os Irmãos Hughes moldaram um thriller de ficção científica que flerta com o faroeste e com o terror, lembrando também a HQ Apenas um Peregrino, de Garth Ennis e Carlos Ezquerra.

O pecado dos Irmãos Hughes foi entender que podiam imitar Sergio Leone e optaram por um corte deveras longo ao filme, causando tédio ao espectador, em algumas passagens, o que é acentuado pelas irregulares reviravoltas da trama.

Os não-cristãos podem se sentir incomodados, da mesma forma, com a insistência de que a fé remove montanhas e confere certos poderes a quem se sacrifica em seu nome.

O Livro de Eli merece uma conferida pela competente atuação de Denzel Washington e seus golpes à lá Zatoichi.

Ao receber o comunicado de que a assassina Rachel Solando fugiu do Hospício Ashecliffe, situado na ilha que dá nome ao filme, a polícia federal norte-americana (os U.S. Marshall) requisita os agentes Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) e Chuck Aule (Mark Ruffalo) para investigarem o caso. O ano é 1954. Auge da Guerra Fria.

No Ashecliffe – que nutre uma certa semelhança com o Asilo Arkham, dos quadrinhos do Batman –, Teddy e Chuck interrogam os pacientes e os dois psiquiatras responsáveis, Dr. John Cawley (Ben Kingsley) e Dr. Naehring (Max von Sydow), tentando entender como Rachel Solando havia escapado sem que ninguém notasse e o por quê do seu bilhete que mencionava a “teoria dos 4” e uma dúvida sobre o “paciente 67”.

Em meio aos interrogatórios, Teddy sofre crises de enxaqueca, tem pesadelos com sua participação na 2ª Guerra Mundial e visões constantes de sua falecida esposa, Dolores Chanal (Michelle Williams). Tudo o que ele quer é saber o que se esconde por trás das paredes do Ashecliffe e sair de lá o mais rápido possível, mas o mau tempo não permite, e ele terá que conviver com feridas abertas e tentar se manter são.

Scorsese brinca com o espectador num jogo primoroso entre delírio e conspiração, tal qual Vampiros de Almas (1956) e seu remake, Invasores de Corpos (1978), o que é acentuado pela trilha sonora assinada por Robbie Robertson (ex-The Band), pelo fog intenso, fotografia com estética gótica e muitos planos fechados nos rostos dos atores, remetendo-nos aos filmes de terror e suspense dos anos 1940/50.

Vendo as páginas da adaptação do livro para história em quadrinhos, feita em 2008 por Christian de Metter – trabalho pelo qual foi selecionado para participar do prestigiado Festival de Angoulême –, nota-se que Scorsese também a consultou e baseou-se no olhar do quadrinista francês para compor o visual do seu filme.

Ilha do Medo é um thriller psicológico do mais alto gabarito e reforça a parceria Scorsese-DiCaprio.

The Extraordinary Adventures Of Adele Blanc-Sec é uma série de nove histórias em quadrinhos, iniciada em 1976  e concluída em 2007, cujo autor é Jacques Tardi, conhecido no Brasil pelo belo trabalho em preto e branco O Grito do Povo, publicado em dois volumes pela Conrad.

A história se passa em Paris, pouco antes da Primeira Guerra Mundial, e foca a vida de uma escritora de romances populares, Adèle Blanc-Sec, que  investiga  eventos  mirabolantes, envolvendo múmias, animais pré-históricos e cientistas loucos.

Luc Besson pretende fazer uma trilogia da heroína Adèle Blanc-Sec, interpretada pela atriz Louise Bourgoin. Nessa primeira parte da trilogia, ele adaptou as três aventuras iniciais da personagem, que vai ao Cairo, em 1912, em busca de uma múmia, enquanto o céu de Paris é invadido por um pterodátilo assassino.

Confiram o trailer e babem: